Après 2 épisodes qui ont su apporter un vrai plus à un univers déjà riche et parfaitement retranscrit à l’écran, The Last of Us décide de changer son fusil d’épaule pour le 3e épisode de l’adaptation de l’oeuvre de Naughty Dog. Une approche qui vient quelque peu remettre en cause ce que l’on voyait déjà comme une sorte de routine. Et autant dire que ça devrait surprendre les fans du jeu, faire hurler les haters et en émouvoir pas mal. Sortez les mouchoirs, voilà un peu de poésie dans ce monde de brutes.
Du flashback en veux-tu en voilà
Après les évènements tragiques de l’épisode 2, Joel et Ellie poursuivent leur route. Mais avant tout, un petit détour chez Bill, un personnage bien connu des joueurs s’impose. Un détour qui devrait permettre aux protagonistes de faire le plein de munitions et au scénario d’explorer plus en profondeur un arc narratif évoqué dans le jeu mais jamais traité frontalement. Exercice particulièrement périlleux ici que celui qui consiste à ne rien dévoiler de l’intrigue mais nous tâcherons de rester le plus vague possible.
Le début de l’épisode bouleverse déjà une tendance des deux premiers et dès son intro, on comprend alors que quelque chose ne va pas. Rien de péjoratif ici, simplement une façon de dire qu’on sent très vite que ce 3ᵉ épisode va proposer une approche différente. Et ça ne loupe pas. Une chose que l’on peut vous dire, c’est qu’ici, on a bien plus de retour dans le passé que précédemment. Un retour qui va principalement s’intéresser au personnage de Bill : En effet, si le jeu explorait subtilement la personnalité de ce bon vieux Bill et sa relation avec Frank, personnage absent du jeu, Neil Druckmann aborde le passé de ces deux « partenaires » bien plus frontalement, Frank étant bel et bien présent à l’écran pour le coup.
La part belle à un autre duo
Si Joel, Ellie et Tess étaient omniprésents lors du second épisode, celui-ci laisse quasiment de côté les personnages centraux du show pour se concentrer davantage sur Bill et Frank. Un choix audacieux, qui explore bien plus encore l’une des thématiques principales du jeu et doit beaucoup aux interprétations exceptionnelles de Nick Offerman et Murray Bartlett.
Offerman interprète une version de Bill bien plus douce. Si l’on devine le caractère méfiant propre au personnage du jeu, on retrouve ici une fragilité et une mélancolie que l’on ne voyait pas dans le jeu mais qu’on pouvait tout de même sentir. Tandis que Bartlett, qui incarne un Frank dont l’existence n’était dévoilé que par quelques lettres perdues dans le jeu apporte une bonne humeur palpable dès son entrée en scène et qui ne quittera jamais le personnage et ce même dans les moments les plus durs.
L’humain au cœur de l’apocalypse
Ceux qui n’ont pas compris ce que cette adaptation du jeu culte voulait montrer à l’écran (et parmi lesquelles figurent des fans qui n’ont donc probablement pas compris les jeux) devraient voir leurs yeux sortir hors de leur orbite et nous tenons sincèrement (pas du tout) à leur apporter tout notre soutien. The Last of Us n’est pas tant une quête de survie dans un monde ravagé par la maladie qu’une réflexion sur l’être humain et sa relation envers lui-même et ses prochains.
À travers sa mise en scène douce et intime, dans tous les sens du terme, Peter Hoar (réalisateur qui a signé quelques épisodes des séries Netflix Daredevil et Umbrella Academy entre autres) signe un épisode bien plus doux, comme pour permettre aux spectateurs de respirer un grand coup avant les difficultés éprouvantes qui s’annoncent pour la suite.
Une œuvre d’art aux accents de tragédie Shakespearienne, qui dresse le niveau de cette adaptation à des hauteurs vertigineuses. Difficile de dire avec certitude si après ça, les adaptations de jeux reverront leurs copies. Mais depuis le début, la série semble avoir mis un grand coup de pied dans le tas de champignons. Ce 3ᵉ épisode vient juste de transformer ces champignons en un immense champ de fleurs.
Conclusion : Poétique et tragique
The Last of Us épisode 3 est un véritable chef-d’œuvre de la télévision. Se risquerait-on à dire qu’il s’agit d’un des plus beaux épisodes de série TV depuis l’année 2010 ? Ça nous démange fortement. Un véritable pas de côté pour une adaptation déjà brillante qui, au-delà de l’enrichissement que cet écart implique vient chercher une part de poésie dans l’horreur. Une beauté que la saga vidéoludique sous-entendait avec une profondeur inégalée dans l’art de la narration vidéoludique et que la série met plus que jamais en exergue sans jamais rien perdre de cette profondeur et traitant avec un regard doux des thématiques très fortes, qui pourront être sujet à débats. Bravo Craig Mazin et Neil Druckmann.
Hi-Fi Rush est donc un titre à l’opposé des productions auxquels nous ont habitués Tango Gameworks. Esthétique pop, coloré et en cel shading, bref, on est bien loin des couloirs glauques parcourus par Sebastian Castellanos. Ici, on incarne Chai, un adolescent se rêvant futur rockstar qui intègre un programme d’amélioration cybernétique.
fonction de notre contexte d’utilisation : lors d’un combo lancé dans les airs ou à terre, en maintenant RT… Bref, des combinaisons identiques pour tous nos alliés, pour un total de 4 attaques spéciales à débloquer pour chacun d’entre eux. Et ce sans compter les simples capacités d’appel. Puisqu’on y’ est d’ailleurs, les différents pouvoirs et autres compétences s’achètent via des tas de boulons qui trainent un peu partout et qu’on gagne également au gré des combats et on achète tous dans ce qui fera office à la fois de Hub et de transition entre les différents chapitre mais aussi via des sortes de panneaux publicitaires placés aléatoirement dans de rares zones de jeu.
Que l’on soit ou non habitués aux jeux de rythmes, Hi-Fi Rush fait absolument tout pour nous caresser dans le sens du poil, et ça marche très bien. À aucun moment le jeu ne cherche à être frustrant. Si l’intérêt principal est évidemment de combattre les vagues d’ennemis au rythme des chansons rocks franchement entrainantes, cela n’en constitue pas une obligation pour autant.Hormis pour certaines séquences contre les boss, le fait de se battre en rythme est surtout là pour le scoring et le déchainement de combos dévastateurs. Ainsi, le titre fait le choix de ne pas imposer son concept mais s’agissant de son principal intérêt, cherche à y baigner progressivement les plus néophytes d’entre nous.
Dans 
accidentelle dans les laboratoires d’une corporation de haute technologie se retrouve littéralement avec le rythme dans la peau et doit alors affronter une armada de robots destructeurs, et ce, au rythme de la musique de Nine Inch Nails et autres sons endiablés. Chai devra donc apprendre à enchainer les combos en se calant du mieux possible sur le tempo pour réussir des enchainements dévastateurs. Et pour ceux qui n’ont pas totalement le rythme dans la peau, de nombreux indices visuels, dans les décors ou l’ATH permettent de mieux se repérer. Nous vous proposerons un avis complet sur le titre très rapidement mais en attendant, Let’s go to the show !
ès peu de temps après la sortie d’un premier trailer, un individu a tout simplement enregistré la marque pour son propre compte, créant ainsi près de 2 ans plus tard le blocage dont il est aujourd’hui question.
Dès ses premières minutes, cet épisode 2 affirme sa volonté d’étendre la mythologie du jeu. Lui donner encore plus de corps et surtout de contexte. C’est pourquoi avant de pouvoir retrouver notre trio gagnant, Neil Druckmann nous fait faire un détour par le passé et accessoirement par Jakarta, capitale indonésienne où tout a commencé. La probable influence du showrunner derrière Chernobyl est peut-être passée par là mais cette mise en bouche continue de prouver le sérieux avec lequel cette adaptation a été envisagée : Même dans l’ordre de la science-fiction, un contexte scientifique ne fait pas de mal. (Un peu comme Jurassic Park en fait)
ceux parvenus au stade de clickers, qui ont acquis une ouïe sur-développés au prix d’une perte de vue. Bonne nouvelle, ces derniers y font ici leurs premières apparitions, dans une scène qui rappellera aux joueurs les rencontres initiales et toute la tension palpable que ca entrainait en terme de jouablitié. Une tension qui est retranscrite ici de manière très efficace, la mise en scène se permettant là aussi des plans très « jeu vidéo » restant fidèles à leur matériau initiale tout en s’adaptant à leur format ici purement narratif. Une tension qui n’aurait pas l’efficacité dont elle fait preuve grâçe à l’excellent sound design, que ce soit le rendu, où la façon très ludique qu’a Neil Druckmann de l’employer
